Comment bâtons, pierres et éclats de verre sont devenus mon langage artistique

Bonjour à tous ! Bienvenue dans le numéro 25 de notre série #ourstudents, une série d’interviews où nos participants parlent d’eux-mêmes et de leur art.

Pour ce numéro, j’ai rencontré l’artiste Gerda Vaas, qui raconte son parcours dans l’art — de ses premiers pas à l’école d’art jusqu’à sa passion pour l’art contemporain.

Parlez-nous de votre parcours artistique. Comment êtes-vous arrivée à l’art contemporain ?

Je suis allée à l’école d’art à Oryol et je l’ai terminée en même temps que l’école classique. À 12 ans, j’ai eu la chance de visiter la Tate Modern, et cela a complètement bouleversé ma vision de l’art. La diversité des méthodes, des matériaux, des sujets et des styles m’a frappée en plein cœur.
Après mon diplôme, tout le monde autour de moi, y compris mes professeurs d’école d’art, disait que si je ne voulais pas être fauchée, je devais rester loin de l’art 🙂. J’ai donc essayé plusieurs choses et j’ai fini dans le design graphique. Mais j’étais de plus en plus certaine que j’avais besoin de m’exprimer à travers l’art. Sinon, rien ne me semble avoir de sens. J’ai commencé à chercher et j’ai trouvé plusieurs formations, dont celle de Maria. J’ai réalisé que je n’étais pas folle après tout, et que l’art contemporain était exactement ma voie 😅.

Sur quel sujet travaillez-vous ?

En ce moment, je travaille sur la psychologie humaine sous différents angles. Ce qui compte le plus pour moi, c’est l’enfance : comment donner à l’enfant intérieur l’amour qui lui a manqué, comment et pourquoi grandir et se séparer, comment construire une communication avec soi-même et avec le monde.

Ces derniers temps, des questions profondément existentielles s’y sont ajoutées. J’espère que mon travail aide quelqu’un comme il m’a aidée et continue de m’aider.

A-t-il été difficile de trouver votre sujet ? Est-il personnel pour vous ? À quel point est-il important pour un artiste d’être sincère ?

Mon sujet vient de mon enfance, et je pense que d’une manière ou d’une autre, tout ce que j’invente aujourd’hui est déjà né à cette époque. Je n’avais personne avec qui discuter de beaucoup de choses, encore moins pour exprimer ce que je ressentais. Alors tout vivait en moi, parce que je savais qu’un jour je pourrais en parler et le sortir au grand jour, je ne savais juste pas comment. Maintenant je sais 🙂. Enfin, je peux transmettre CETTE CHOSE, en plus des pensées et des mots.

Les problématiques psychologiques que j’aborde dans mon art sont bien sûr celles que j’ai vécues et que je vis encore moi-même. Le sujet ne pourrait donc pas être plus personnel.
La plupart du temps, je me sens comme une transmettrice, et en ce sens mon travail consiste à devenir le meilleur instrument possible. Trouver mes sujets a été difficile en termes de contact avec moi-même et avec ce « quelque chose » d’où vient l’art.

Parlez-nous davantage de l’origine de la petite figure.

Vers l’âge de trois ans, j’avais un petit jouet, un soldat rouge en peluche avec un bonnet pointu. Quand ma mère allait dans la pièce d’à côté pour faire quelque chose, j’étais convaincue que ce soldat était en réalité un adulte qui me surveillait et qui raconterait à ma mère si je me tenais mal. Je me suis souvenue de ce jouet pendant une hypnothérapie, et ce qui avait été autrefois une présence extérieure était depuis longtemps devenu une présence intérieure. L’image a connu de nombreuses transformations visuelles depuis, et en ce moment mes petites figures sont au stade de l’enfance. Je suis sûre qu’un jour elles grandiront, et ce sera un nouveau chapitre de mon art. Ce qui est resté, c’est le nom et l’essence : l’Observateur. Un observateur du monde extérieur et intérieur, du temps et de l’espace, des autres enfants.

Comment choisissez-vous vos matériaux, et pourquoi des bâtons ?

Pour mes objets, j’utilise des choses trouvées — pierres, éclats de verre, bâtons, petits os et bien plus encore. Je les appelle « fragments de réalité ». Pour moi, ce sont un véritable langage, celui que je veux parler.

Qu’est-ce qui est essentiel dans l’art pour vous, à la fois en tant qu’artiste et en tant que spectatrice — la chose sans laquelle cela ne fonctionne pas ?

Pour moi, il est plus important que l’art pose des questions plutôt qu’il ne donne des réponses. Et parfois on voit un tableau ou un objet qui ne semble pas du tout être notre truc, et plus tard on réalise qu’il s’est installé dans notre tête et qu’il nous parle, qu’on le veuille ou non. C’est l’un de ces critères, ou une combinaison d’entre eux, qui fait l’art pour moi.

Citez les artistes qui vous ont inspirée ou influencée.

Tracey Emin (son lit, avec lequel j’ai eu trois rendez-vous à différents moments de ma vie, a été une catharsis pour moi. Une idée si simple et directe, dans une exécution si simple et directe — je trouve cette œuvre brillante au sens le plus simple et le plus direct du terme).
Cy Twombly (aucun mot n’est nécessaire ici, vraiment aucun).

Où trouvez-vous votre inspiration ?

Absolument partout, honnêtement. Mais ce qui m’inspire le plus, ce sont les détails des murs de la ville, ces mêmes « fragments de réalité », la mythologie, et les matériaux artistiques 🙂.

Avez-vous des moments de crise créative, et comment les gérez-vous ?

Bien sûr ! Je pense que cela va avec tout type de travail. J’ai développé ma propre méthode : j’annonce à ma famille et à mes amis que j’ai changé d’avis sur le fait d’être artiste et que je ne créerai plus jamais rien. Cela fonctionne sans doute comme un relâchement de tension et de mes propres attentes, car je ne tiens jamais longtemps.

Si vous deviez le résumer en une phrase, que voudriez-vous dire au spectateur à travers votre art ?

« Tout allait bien, va bien et ira bien. »

La formation suivie chez nous vous a-t-elle été utile ?