Comment les projets artistiques révèlent des mondes intérieurs

Bonjour à tous ! Bienvenue dans le numéro 26 de notre série #ourstudents — une série d’interviews où les participants parlent d’eux-mêmes et de leur art.

Pour ce numéro, j’ai rencontré l’artiste Nataliya Lemesheva, qui parle de son passage de l’art académique à la pratique contemporaine à travers les thèmes de l’émigration et de l’adaptation à un nouveau code culturel.

Racontez-nous comment vous êtes venue à l’art contemporain.

J’ai obtenu mon diplôme de l’Institut d’État Sourikov des beaux-arts de Moscou à l’âge adulte. Pendant un certain temps ensuite, j’ai peint des paysages, des natures mortes et des portraits avec un réel enthousiasme, jusqu’à ce que quelque chose commence à manquer — le sens. J’ai commencé à réfléchir à un passage vers l’art contemporain, j’ai beaucoup lu sur le sujet, étudié l’art contemporain et cherché des personnes qui pourraient m’aider dans cette voie. J’ai parlé à de nombreux consultants en art, mais le vrai tournant est venu après ma rencontre avec Maria. Cela a coïncidé avec mon déménagement en Espagne, et ce nouvel environnement a inévitablement laissé sa marque sur mon travail.

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Vous vivez maintenant en Espagne, mais vous avez passé longtemps en Russie. Ressentez-vous une différence dans le rapport de la société à l’art contemporain ?

Curieusement, je ne vois pas de différence dans les attitudes envers l’art contemporain. Il se développe et se fraie un chemin partout. J’aime la situation qui s’est mise en place en Russie en ce moment, et parfois je regarde avec envie la vie expositionnelle animée là-bas. Je participerais volontiers à des expositions et à des appels à candidatures si ce n’étaient les difficultés actuelles d’expédition.

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Quels thèmes explorez-vous dans votre art ? La transition de l’art académique vers le contemporain a-t-elle été difficile ?

Le thème principal de mon art est l’émigration et l’adaptation à un nouveau code culturel — comment un émigré s’intègre dans un nouvel environnement, les difficultés que cela implique, le processus qui consiste à devenir visible.

La transition de l’art académique vers le contemporain est certainement difficile. Je ne me suis toujours pas complètement détachée du côté académique, et en vacances chez ma mère, j’ai peint avec plaisir des nymphéas et des roses. Mais c’était justement un repos — comme si j’avais rangé mes manuels de maths et de physique pour prendre un roman.

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Parlez-nous davantage de vos projets les plus significatifs jusqu’à présent. Ce serait formidable d’inclure un tour en photos des foires et expositions auxquelles vous avez participé.

J’ai deux projets principaux : Shadows et Doors. Ils continuent de grandir et de s’étendre, et de nouvelles branches et de nouveaux sens continuent d’apparaître.

Le projet « Doors » est une synthèse de recherches anthropologiques, culturelles et psychologiques. Une porte est un élément structurel unique qui définit la frontière entre les espaces — extérieur et intérieur, les siens et les étrangers — et aide à la franchir. Le plus souvent, je représente l’« antichambre », une sorte d’espace liminal. C’est un objet remarquable de la vie quotidienne, exprimant le caractère particulier de ses propriétaires, leur fermeture et, en même temps, leur ouverture au monde. C’est exactement pour cela que j’ai choisi les portes comme les éléments les plus éloquents, représentant non seulement des personnalités individuelles mais aussi l’identité collective des habitants d’une région donnée.

Une branche du projet a pris forme après une visite au musée René Magritte à Bruxelles. C’est un pont entre le fantasme et la réalité, réunissant différentes dimensions dans un seul espace. En essayant d’exprimer la personnalité des propriétaires, je découpe des ouvertures de formes diverses dans les panneaux de porte, chacune devenant une sorte de portail vers un monde d’images secrètes. C’est un récit visuel sur les histoires cachées derrière les façades.

Dans un autre projet, je prends mes tableaux de portes, je les enveloppe dans un film plastique industriel et je les recouvre de graffitis. C’est un acte symbolique qui explore la tension entre la fabrication lente et artisanale d’une œuvre d’art et la rapidité et le caractère éphémère des matériaux contemporains et de la culture urbaine ; entre l’ouverture des portes et l’impénétrabilité du plastique ; entre locaux et émigrés.

Au cœur du projet « Shadows » se trouve l’utilisation des ombres comme moyen d’explorer le monde intérieur d’une personne, ses émotions, ses aspirations et ses facettes inconnues. L’ombre est un marqueur métaphorique qui à la fois sépare et relie le visible et l’invisible, la conscience et l’inconscient.

Dans mon étude des ombres, le concept de non-dualité joue un rôle central ; dans mon travail, je cherche des moyens d’exprimer des nuances et des sens non binaires du visuel, en m’éloignant du noir et blanc.

Je vise un équilibre entre l’abstraction et des éléments reconnaissables de la nature. Les ombres sur la toile prennent différentes formes et contours, comme des figures abstraites qui se pénètrent mutuellement et forment des formes complexes. Le projet nous invite à abandonner une vision dualiste du monde et transmet l’idée de l’unité et de l’interconnexion de toutes choses.

Je montre activement mon travail en Russie et en Europe. Parmi les temps forts récents : une exposition collective au musée d’art contemporain MEAM Barcelona en octobre 2023, la foire internationale d’art FIA Barcelona en novembre 2023, la Summer Exhibition à la Royal Academy of Art à Londres, juin-août 2024 (une fierté particulière — l’une des expositions d’art contemporain les plus anciennes et les plus connues d’Angleterre), et le salon d’art contemporain ART3f à Paris en septembre 2024.

En plus de cela, mon travail a été publié cette année dans deux magazines d’art contemporain, et en septembre mon interview est parue sur le site de la galerie barcelonaise Altiba9 !

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Je me souviens de votre incroyable atelier, inondé de lumière. Parlez-nous un peu de votre espace et du rôle que joue l’atelier pour vous.

Merci ! Mon atelier est une pièce de la maison ; une grande porte vitrée du sol au plafond me sépare du monde extérieur. J’y médite au lever du soleil et je rêvasse au coucher du soleil. Il offre une vue magnifique sur le village et les collines. Tout est noyé dans la verdure. Je peins mes tableaux et je contemple la beauté.

Mais… après trois heures de l’après-midi, le soleil entre, et il transforme comme par magie tout en jaune vif, dessine ses propres ombres, et je ne peux plus travailler. Je pose les peintures et je passe au travail sur ordinateur.

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Quelle est votre mission dans l’art ?

Je veux aider les gens, les faire s’arrêter et réfléchir, leur donner une minute pour ralentir et regarder en eux-mêmes. J’aimerais vous raconter deux choses qui se sont passées ces deux dernières semaines. La première a eu lieu au salon de Paris. Une femme traversait presque en courant l’exposition. J’étais placée près de la sortie, donc les gens arrivaient déjà fatigués à mon stand. Elle était pressée, saturée par l’exposition, puis elle s’est arrêtée net en remarquant mon stand. Nous avons parlé longtemps, échangeant pensées et émotions. C’était très émouvant que mon art lui ait permis de ralentir et de se tourner vers l’intérieur.

La seconde s’est passée pendant un cours d’anglais. Mon professeure, une Irlandaise, est récemment rentrée en Irlande après 25 ans passés en Angleterre et au Portugal. Elle m’a dit à quel point mon art résonnait fortement avec elle, qu’elle avait maintenant l’impression d’avoir vécu ces 25 années dans l’Ombre. Elle comprend vraiment de quoi parle mon projet, et dit qu’elle ne quittera plus jamais son pays natal pour vivre ailleurs.

Qu’est-ce qui compte le plus pour vous dans l’art en général ? (Des sens particuliers, des valeurs, la sincérité, ou autre chose ?)

Après avoir visité deux grands événements cette semaine — Manifesta 15 et Swab Barcelona — j’ai réalisé que je n’aimais pas l’effet de choc. Je pensais que l’art contemporain s’en éloignait. Ce qui compte le plus pour moi, ce sont les sens que l’artiste a voulu transmettre. Je suis heureuse quand je les saisis et qu’ils résonnent avec moi. J’aime la sincérité, l’ouverture et l’honnêteté plutôt que de suivre la mode. Je n’aime pas les expériences pour le plaisir d’expérimenter.

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Quel est votre lieu contemporain préféré en Espagne, que tout visiteur devrait voir ?

Mon lieu contemporain préféré absolu est Barcelone. La ville elle-même. Elle regorge d’art contemporain, de l’architecture à toutes sortes d’installations urbaines, en passant par les graffitis et les musées d’art contemporain.

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La formation suivie chez nous vous a-t-elle été utile ?

Absolument. J’ai commencé à beaucoup mieux comprendre l’art contemporain et ses significations, j’ai appris à écrire des textes et à préparer des documents, j’ai découvert comment gérer les réseaux sociaux, et j’ai acquis des connaissances sur la présentation de mon art lors d’expositions et la conception de stands.

Après avoir terminé l’une des promotions, un groupe de diplômés dont je faisais partie a réalisé un projet appelé « City », a répondu à un appel à candidatures des Salles d’exposition de Moscou, a remporté le concours et a exposé dans l’une de leurs galeries l’année suivante. Après une autre promotion, avec d’autres diplômés, nous avons réalisé une exposition virtuelle sur les peurs pendant le confinement ; ce site est resté en ligne pendant deux ans.

Je suis donc très reconnaissante pour toutes les connaissances et l’aide que j’ai reçues de Maria.