L’art de la liberté : comment Natali Nishchuk repense l’échelle de l’esprit et du corps

Découvrez Natali Nishchuk — une artiste contemporaine russe dont le travail explore la liberté, l’échelle de l’esprit et leur lien avec le corps. Son art tisse ensemble philosophie, sensualité et réflexion profonde sur la nature humaine.

Dans le numéro 31 de notre série #ourstudents, Natali partage son regard sur l’art, l’inspiration et l’expérience spirituelle qui est devenue le fondement de sa pratique, et nous raconte comment la formation a transformé sa façon de voir le monde et de créer.

— Comment êtes-vous venue à l’art contemporain ?

Je suis venue à l’art contemporain naturellement. Il m’a attirée et m’a complètement envahie. J’essayais simplement de le comprendre et, sans m’en rendre compte, j’étais déjà en dialogue avec les œuvres, enrichissant ma propre expérience intérieure. J’ai commencé à rencontrer des artistes pour pouvoir parler de leur travail et de leur vision du monde en général. Un monde nouveau et fascinant de grandes significations s’ouvrait à moi. À un moment donné, j’ai réalisé que ce que j’aimais pouvait devenir le travail de ma vie. C’était une pensée vertigineuse à l’époque : quitter le bureau et faire de l’art ? Était-ce même possible ?!

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— Vos premières œuvres, à l’époque où vous avez rejoint la formation, contenaient beaucoup de surréalisme. Dites-nous pourquoi ce langage vous parle.

C’est à ce moment-là que j’ai commencé à intégrer mon identité propre dans mon travail. Le surréalisme en peinture a été mon premier pas vers le travail sur le thème de l’échelle. Ces pièces sont nées d’une pulsion intérieure, pas totalement consciente, de dépasser des limites — dans ce cas, les limites de l’esprit rationnel — pour atteindre l’inconscient. J’aime la psychologie, et je sais que toutes les réponses, celles qui sont justes et honnêtes pour nous, sont déjà en nous. J’ai créé des œuvres dans lesquelles chacun pouvait reconnaître sa propre expérience et, en dialogue avec la pièce, s’y plonger. Une fois qu’on découvre ce que l’œuvre représente pour soi, on peut se poser les bonnes questions et trouver ses réponses.

Honnêtement, à l’époque, j’étais dans cette même quête de réponses et de terrain solide. J’utilisais la peinture pour refléter ma vie, et à travers la peinture, j’ai appris à me connaître. Le surréalisme est une façon de reconnaître la vérité à travers ce qui n’existe pas. Il y a une liberté incroyable là-dedans.

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— Comment votre art a-t-il évolué au fil de la formation ?

Pendant la formation, je me suis lancée à corps perdu dans l’expérimentation. J’ai changé d’approche et je suis passée d’un dialogue avec l’esprit à un dialogue avec le cœur — de la perception du monde par la pensée à une expérience sensuelle et émotionnelle du ressenti et du corps. Je voulais plus de liberté et plus d’honnêteté dans le dialogue que rend possible l’art. Je voulais que mon art soit vivant et réel, et pour cela, il devait porter de la profondeur. Mais pour refléter cette profondeur, je devais d’abord la trouver en moi. Toute cette période de recherche incessante est devenue un processus consistant à aller plus profond et à refléter ce que je trouvais, et à travers ce reflet, à aller plus profond encore.

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— Il y a de nombreuses références à votre expérience spirituelle dans votre travail. Parlez-nous de votre parcours 🙏🏻.

Dans la vie, je suis une exploratrice : j’ai vécu dans différentes villes russes et à l’étranger, et j’ai changé de carrière et de passion plus d’une fois. J’ai passé toute ma vie à me chercher, en précieusement conservant chaque expérience en chemin. Quand on cherche, tout a un sens, et avec le recul, je vois comment des expériences qui semblaient totalement sans rapport ont construit, pas à pas, le socle de ce que je suis aujourd’hui.

— Votre art ne décortique pas tant des thèmes précis qu’il n’ouvre des portes vers une philosophie plus vaste de notre perception de la vie humaine. Quelles questions posez-vous au spectateur ? Et quelles questions spirituelles vous occupent personnellement ?

Ce qui me tient à cœur, ce sont les questions de la façon dont une personne apprend à se connaître au niveau le plus profond et atteint sa source intérieure de force. C’est cela, l’échelle intérieure, et elle mène à la liberté. Il y a une phrase à laquelle je me sens proche : la liberté, c’est le courage d’être soi-même. J’ajouterais qu’il faut du courage non seulement pour s’autoriser à être honnête et à vivre réellement sa propre vie, mais aussi pour décider de se mettre en route vers la rencontre avec soi-même.

Tout est un choix. J’y vois un cycle, où une personne est à la fois la cause et l’effet de tout. Dans mon art, je pose des questions qui élargissent les limites de la façon dont nous nous voyons et nous définissons.

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— Parlez-nous d’une de vos œuvres, ou de plusieurs. Nous aimerions beaucoup nous y plonger.

La formation m’a poussée à commencer ma deuxième série sensuelle. Ces œuvres naissent d’une expérience personnelle et reflètent une relation intime et intérieure avec le monde et avec moi-même. C’est une tentative de comprendre la nature d’un être humain capable de se sentir grand et petit à la fois, exalté et ancré dans la terre, portant en lui un monde intérieur sans limites, qui pourtant naît du corps et y demeure enfermé.

Cette personne est un grand esprit, une force vitale cosmique et incroyablement complexe, incarnée, toujours occupée par les affaires du quotidien et cherchant un équilibre entre liberté et infini.

Les œuvres portent le désir de se libérer de ses propres croyances limitantes, la dissolution et la fusion avec ce qui est intérieur, l’acceptation de soi et l’accès à une source de force. On pourrait croire que de tels bouleversements intérieurs changent tout, et pourtant, souvent, ce n’est guère plus qu’une tempête dans un verre d’eau. Encore et encore, chacun de nous se heurte à ses propres croyances limitantes.

De la même façon, les figures de mes œuvres restent liées à l’espace de la toile. Aussi fort soit leur désir de grandeur ou leur envie de faire partie de quelque chose de plus vaste, nous nous retrouvons là, avec elles, une fois de plus de l’autre côté de la vitre de la vie.

Et y a-t-il une fin à ce cycle ?

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— Qu’est-ce qui compte pour vous dans l’art, le vôtre comme celui des autres, pour qu’il vous saisisse et résonne en vous ?

J’aime des directions très différentes dans l’art, chacune offrant sa propre façon de s’adresser au spectateur. Ce qui compte pour moi, c’est la sincérité d’une œuvre et l’expérience que l’artiste veut partager. Quelle empreinte profonde cette expérience peut-elle laisser en moi ?

Je suis attirée par les prises de position sur des sujets difficiles et urgents, mais aussi sur des sujets éternels. De nos jours, l’art n’a pas besoin d’être bruyant et éclatant, impossible à ignorer — même si j’aime cela aussi. Plus je m’enfonce dans le monde de l’art, plus j’accorde de valeur à ce qui est subtil et difficile à cerner.

Ces derniers temps, je m’intéresse particulièrement aux artistes conceptuellement complexes et intellectuels. Apparemment, je recherche moi-même davantage de complexité.

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— Y a-t-il des artistes dont vous admirez le travail ou qui vous inspirent ? Si oui, pourquoi ? N’hésitez pas à joindre des photos de vos œuvres préférées.

En ce moment, il y a tellement d’artistes que j’aime qu’il est difficile d’en choisir un seul. Mais j’adore le travail de Pierre Huyghe. Ses installations sont des réseaux d’objets, comme des maillons formant un ADN de significations. Elles entraînent le spectateur dans une nouvelle réalité, qui continue d’évoluer et reste liée à l’ici et maintenant.

La photo montre son œuvre de 2021. Il y explore la nature, à la fois réelle et artificielle. L’action se déroule en temps réel : le spectateur observe une intelligence artificielle se transformer et évoluer. Mettre ce processus en regard de la nature nourricière ouvre une réflexion très profonde.

Je veux aussi mentionner Wolfgang Tillmans. Son regard me donne la chair de poule — il passe de l’abstrait et du général au très proche et, dans cette proximité, au particulier. Je me sens proche de sa sensualité et de sa liberté audacieuse. C’est un artiste dont on ne peut pas réduire le travail à une seule pièce. On a envie d’en montrer plusieurs à la fois, car elles sont si différentes, et pourtant, ensemble, elles forment une image complète de sa vision. Un très grand nombre de ses œuvres m’emplissent d’admiration.

— Si vous pouviez réaliser une œuvre avec un artiste de n’importe quelle époque, lequel choisiriez-vous ? Et pourquoi ce travail commun vous intéresserait-il ?

J’aimerais réaliser un projet avec Michel-Ange. Cela m’intéresse de réfléchir à la nature humaine dans un contexte intemporel, d’examiner comment des idéaux élevés et monumentaux se confrontent à la réalité contemporaine. Ce serait une plongée profonde dans la continuité et le contraste, et dans ce qu’ils signifient sur le long terme.

J’adorerais aussi travailler avec Wolfgang Tillmans en tant que modèle, pour exprimer la liberté à travers moi-même.

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— Notre formation vous a-t-elle été utile ? Si oui, pourquoi ?

Pour moi, cette formation n’a pas seulement consisté à résoudre des problèmes professionnels — l’expertise en histoire de l’art, la compréhension du fonctionnement du marché de l’art, une vision claire des étapes du développement d’un artiste — c’est pour cela que j’étais venue au départ. Ce qui a eu le plus de valeur, c’est le changement survenu sur le plan personnel.

J’ai appris à penser différemment et à me percevoir différemment. Cette croissance intérieure s’est manifestée non seulement dans ma pratique artistique, mais dans bien d’autres domaines de la vie. Maria apprend à penser et à parler dans le langage de l’art, créant un terrain fertile pour que votre propre identité s’exprime dans l’œuvre. Elle met délicatement en valeur vos forces et approfondit votre perception, aidant la personne créative en vous à s’épanouir.