L’art comme espace à multiples strates qui plonge le spectateur dans une réflexion profonde

Un entretien avec Tatyana Dubinets

Bonjour à tous ! Bienvenue dans le numéro 19 de #ourstudents — une série d’entretiens dans laquelle nos participants parlent d’eux-mêmes et de leur art.

Pour ce numéro, j’ai invité l’artiste Tatyana Dubinets, diplômée de la Repin Academy of Arts et qui, en quittant ses murs en 2018, s’est tournée vers l’art contemporain.

Depuis combien de temps faites-vous de l’art ?

Je fais de l’art de façon délibérée depuis 2009, lorsque j’ai rejoint l’atelier de peinture de L. V. Eliseev. Dès lors, j’ai participé à des expositions collectives et rejoint le club des artistes de ma ville natale, Novocherkassk. Ma relation à l’art s’est approfondie, et j’ai réalisé à quel point tout cela était plus sérieux que de simplement obtenir un atelier de l’Union des artistes. Je suis passée de mes premiers pas dans des concours internationaux d’architecture et de design et des expositions personnelles auto-organisées à l’acceptation qu’il existe un autre genre d’art — l’art actuel, l’art contemporain.

Parlez-nous de votre art.

Ma pratique pourrait être décrite comme une ressemblance divine obtenue par un contact chargé de la force englobante d’Éros. Je travaille sur les thèmes du corps, de l’état liminal du rêve, de la maternité et de la féminité. Mes tableaux emportent doucement l’esprit vers une autre dimension. Au cœur de la pratique se trouve la recherche d’un terrain sûr pour travailler avec notre inconscient.

Pour obtenir l’adhérence dont j’ai besoin dans les premières couches, j’utilise des peintures à base acrylique mélangées à du sable grossier et à du vinyle quartzé. Par-dessus, je travaille à l’huile et à l’aérosol. Cette technique révèle la structure intérieure des œuvres, entraîne dans un rêve et crée des interférences texturales. C’est ainsi que je construis un espace à multiples strates : la première couche est un fond abstrait, la deuxième des figures naïves, et la troisième un geste expressif, le tissu conjonctif qui donne le mouvement, le chaos, et une unité au sein de ce chaos.

Je remplis mes tableaux de symboles dont je me souviens depuis l’enfance, et le symbole central est la fleur primitive que ma mère gribouillait pendant ses appels téléphoniques. La mère a joué un rôle particulier dans mon travail — une figure à la fois traumatique et thérapeutique. Un enfant reste, par inertie, dans un état syncrétique avec sa mère. Cela parle de la tragédie née du désir des gens pour une fusion qui est impossible.

Quel est le thème principal sur lequel vous travaillez ?

L’essentiel pour moi est de construire dans les œuvres une structure intérieure qui immerge le spectateur dans une réalité onirique — comme une rivière sous une rivière. Les thèmes principaux de mon travail sont la féminité, les rêves et la maternité, et ils naissent de ma propre expérience et de ma perception du monde. Comprendre exactement ce dont je veux parler m’est venu à travers les concours et les expositions, et à travers mon engagement dans le monde de l’art.

Parlez-nous de votre nouvelle série.

Dans ma nouvelle série « L’Âge du carbone », je continue d’explorer le thème du corps, qui fait déjà partie de mon langage artistique reconnaissable. Ce n’est pas la première fois que j’aborde ce sujet. Au cours de l’été 2023, à la loge de gardien près de la station de métro Botanichesky Sad, j’ai présenté « Le Songe d’une nuit d’été », une exposition centrée sur le phénomène du regard sous l’angle de l’histoire de la psychanalyse et du rêve lucide.

Le projet actuel, « L’Âge du carbone », est une enquête artistique sur l’intelligence artificielle à travers le prisme du corps. Qui devenons-nous une fois que nous nous trouvons dans un espace sûr ? C’est la question centrale de mon travail. Le contrôle exercé par l’intelligence artificielle, en tant que structure imposée aux formes de pensée, au corps et à ses mouvements, correspond à la nouvelle nature des pratiques émotionnelles.

Le projet est né du Meilleur des mondes d’Aldous Huxley, publié en 1932, ainsi que du film et de la série télévisée du même nom. Il a impliqué un travail avec des archives et l’étude d’artistes qui traitent de la cybernétique, comme Zlotnikov et son « Système de signaux ». La recherche s’appuie aussi sur ma propre expérience de la maternité.

Ô merveille ! Que de belles créatures il y a ici ! Que l’humanité est belle ! Ô meilleur des mondes, qui compte de telles gens ! — William Shakespeare

Cette phrase m’a lancée dans la recherche d’une réponse : à quoi ressemblera la maternité du futur ?

La série comprend de la peinture, des œuvres sur papier et des objets d’art. Dans les tableaux, je présente des intérieurs silencieux, presque théâtraux, de la maternité, avec des esquisses très personnelles, des portraits et des objets trouvés — des jouets qui font office de témoignages historiques. L’objectif de cette démarche est de souligner les limites d’une contrainte extrême sur le soi, des limites qui disparaissent derrière les masques élégants de l’approbation sociale.

Qu’est-ce qui compte le plus pour vous dans l’art ?

La sincérité et le contact émotionnel avec le spectateur comptent pour moi. Ce que j’apprécie dans l’art, c’est « ce moment où ça me touche » ! Et la pertinence aussi — cela doit être un témoignage de notre époque, refléter son langage, ainsi que le besoin des artistes de transmettre ce qu’ils ressentent à travers la peinture et d’autres médiums.

Parlez-nous de la figure de la « mauvaise femme artiste ».

La figure de la « mauvaise femme artiste » est mon alter ego, une façon de vivre l’autre réalité à laquelle je ne peux accéder par le contact quotidien avec le monde. Je suis heureuse que nous vivions à l’ère d’internet. On peut garder une distance de sécurité avec le spectateur tout en étant son « autre » soi et avoir ce contact d’Éros pur. Cela reflète les sentiments et les doutes intérieurs qui accompagnent la création artistique. C’est une merveilleuse façon de s’exprimer et de tester ses limites, à la fois en tant qu’artiste et en tant que spectateur.

Je m’endors comme une personne ordinaire et je me réveille comme quelqu’un d’autre, porteuse de l’expérience de tous ceux et de tout ce qui a vécu avant nous. Ma pratique du voyage dans les rêves m’aide énormément dans cette démarche. Une fois que l’inconscient donne la permission d’analyser les émotions et les problèmes que j’ai vécus, le rêve se met à produire une matrice de scénarios possibles, pleine de détails, d’images et de schémas de pensée, tous orientés vers la résolution du problème. Une fois éveillée, je donne à ces images une forme presque physique, en les décodant dans un langage visuel.

Être le produit de la ressemblance la plus proche possible avec des jumeaux cosmogoniques. En cela, le berceau de la vie humaine répète le berceau du monde. Grâce à mon alter ego, j’apprends à construire des relations pseudo-gémellaires fondées non pas sur la densité d’Éros mais sur la dissolution dans le partenaire, au prix de sa propre intégrité. Dans de telles relations, aucune substance nouvelle n’est créée, car l’un des termes se réduit à zéro. Mais c’est exactement le degré de fusion destructrice qui m’est inaccessible dans la vie ordinaire. Autorisez-le, et chaque terme se réduit à zéro.

Montrez-nous votre atelier.

Mon atelier idéal aurait un esprit de liberté, comme dans Femmes qui courent avec les loups de Clarissa Pinkola Estés. Un atelier est votre foyer intérieur, et il est particulièrement important pour une femme de pouvoir y revenir pour refaire ses forces. C’est un espace grand et lumineux avec des sols en bois, une grande table en bois, un établi, tous les outils nécessaires, des fenêtres du sol au plafond et une vue sur la nature.

J’ai eu plusieurs ateliers que j’ai aimés : un dans ma ville natale de Novocherkassk, puis un espace industriel à Saint-Pétersbourg au Sevkabel Port, et maintenant un atelier à Moscou — et je suis très heureuse de créer dans ce lieu de pouvoir particulier.

Parlez-nous de la vie culturelle et de la formation de votre œil.

J’essaie de m’immerger dans la vie culturelle de Moscou et de Saint-Pétersbourg. Voyager dans d’autres villes et pays pour l’art n’est pas facile pour moi en ce moment, car je suis une jeune mère en congé maternité. Je vais donc aux événements culturels avec mon petit compagnon. Mon fils m’a déjà accompagnée à l’Istanbul Modern, à Blazar, Art Russia, dans toutes les galeries de Winzavod, à GES-2, Ruarts, ArtBrut et Erarta.

Aller aux expositions et partager mes impressions sur ma Chaîne Telegram me donne le sentiment de ne pas rester immobile. Et cela nous aide, mes abonnés et moi, à voir que l’art contemporain fait partie de notre vie — retirez-le, et le verre ne sera plus jamais tout à fait plein.

J’ai l’impression d’avoir passé toute ma vie à construire, élargir et approfondir ma culture visuelle. J’ai étudié l’architecture pendant sept ans et la restauration pendant deux ans, j’ai enseigné le design et la rénovation de meubles pendant quatre ans, et je suis sans relâche toutes les chaînes possibles sur les tendances et l’esthétique. Cela me plaît vraiment et je l’adore. À ceux qui débutent tout juste et commencent à former leur œil, je dirais ceci : cette approche fait des merveilles pour votre goût et votre sens du style, et elle élargit vos horizons pour que vous voyiez et ressentiez le monde dans des dimensions plus complètes.

Un conseil pour les artistes qui débutent ?

Aux artistes qui débutent, je dirais : soyez sincères dans votre choix, et répondez honnêtement — est-ce cela qui vous fait vibrer intérieurement ? Si c’est le cas, vous êtes définitivement sur la bonne voie, et c’est merveilleux si vous la parcourez aux côtés de professionnels et au sein d’une communauté qui vous soutiendra et vous inspirera toujours.

La communauté Your Art Muse est certainement l’une des plus expertes et des plus accueillantes à la fois — véritablement utile et véritablement chaleureuse. C’est un endroit où l’on n’a pas besoin d’avoir peur d’expérimenter, où l’on peut échanger avec les gens et prendre part à la vie culturelle, en élargissant ensemble ses connaissances et son expérience.

Notre programme vous a-t-il été utile ?

Je commencerai par dire que je peux recommander sans réserve la formation « Je veux entrer dans le monde de l’art ! Une carrière d’artiste contemporain ». Pendant la formation, j’ai réussi à construire mon propre cercle de bienveillance, où le critique intérieur n’a plus sa place. J’ai compris comment fonctionne le monde de l’art et qui en sont les acteurs clés. J’ai dressé le portrait de ma galerie mère idéale — maintenant je vois l’objectif et non les obstacles. Je sais quelles étapes suivre pour signer un contrat avec elle.

La formation a été aussi utile que possible : j’y suis venue en voulant devenir visible dans le monde de l’art, constituer un dossier de documents et bien les utiliser, concevoir un projet d’exposition muséale, commencer à échanger avec des experts, et me présenter aussi bien en personne que dans une correspondance professionnelle. J’ai largement atteint tous ces objectifs. Tout est en ordre maintenant, depuis l’inventaire complet de mes œuvres jusqu’à la compréhension de toutes les spécificités de la candidature aux appels à candidatures.

Je ne fais plus les erreurs classiques où un simple refus peut vous déstabiliser complètement. Je comprends qu’il faut avancer étape par étape. Le mérite en revient à Maria Hiltunen-Sedoshenko : manager d’artiste, commissaire d’exposition, historienne de l’art, et un merveilleux exemple de la façon de parler d’art avec aisance, de l’aimer, et de faire en sorte que les autres en tombent amoureux aussi.