Un art lié à la nature humaine et à la psychologie

Un entretien avec Lyubov Belaya

Bonjour à tous ! Bienvenue dans le numéro 17 de notre série #ourstudents — une série d’entretiens dans lesquels nos participants parlent d’eux-mêmes et de leur art.

L’invitée de ce numéro est l’artiste interdisciplinaire Lyubov Belaya.

Racontez-nous comment a commencé votre parcours d’artiste.

Il y a environ dix ans, je me suis mise à la photographie. Cela m’a ouvert le monde des grands maîtres. Il est vite devenu clair que le médium d’un artiste n’est pas là pour énoncer un fait subjectif — c’est un outil. On s’en sert pour sculpter une pensée, pour la rendre visible.

Puis est venu l’intérêt pour la céramique. J’ai passé deux ans à en étudier la technologie. On pourrait penser que tout le monde fait de la photo de nos jours et que beaucoup de gens travaillent l’argile. Mais plus j’allais en profondeur, plus je comprenais à quel point la chimie de ces métiers est complexe. Et j’ai vu que combiner ces connaissances m’ouvrait de nouvelles possibilités.

Après cela, je me suis inscrite à la Rodchenko Art School. C’est là qu’une transformation intérieure irréversible s’est produite, et c’est là que je suis tombée amoureuse de l’art contemporain. Il exige un travail constant du cerveau : analyse, chasse aux métaphores, décodage de messages. J’ai compris que c’était fait pour moi.

Pourquoi avez-vous choisi l’argile, et comment ressentez-vous ce matériau ?

Dieu a créé l’homme à partir de la poussière, de l’argile, à son image. Je le prends comme une sorte de signe. Ce que j’ai à dire en tant qu’artiste concerne la nature humaine — ses pensées, ses peurs, ses passions.

La céramique est presque de la pierre ; elle vit pendant des milliers d’années. Elle me relie au passé et me donne un chemin à travers le présent vers l’avenir. Je sculpte ma propre réalité, tout à fait littéralement.

Je travaille souvent sur plusieurs projets à la fois. Un thème se fond dans le suivant et le complète. C’est ainsi, je suppose, que le motif propre d’un artiste se forme au sein du kaléidoscope du monde de l’art.

Comment en êtes-vous venue à travailler l’installation ? Qu’est-ce qui vous a poussée à dépasser l’échelle traditionnelle de la céramique ?

Je me suis convaincue que tout ce qu’on tire de ses propres profondeurs sans se retourner s’avère être la chose la plus importante et la plus précieuse.

Dans « Andreï Tarkovski. Une prière de cinéma », Andreï Tarkovski dit qu’un artiste se nourrit de son enfance toute sa vie — que l’enfance détermine l’art, une dépendance et un lien inconscients.

Je suis née et j’ai grandi dans le nord, en République des Komis, entourée de neige à perte de vue la majeure partie de l’année. Ma retenue et ma sobriété, tout ce blanc, la recherche d’une forme pure — tout ça vient de là. Ce que je fais, c’est développer des fragments d’un film que mon œil a exposé il y a longtemps.

Ce sentiment intérieur d’espace ouvert est, je crois, le facteur décisif. Le besoin pour l’œil de voyager vers le lointain et pour la pensée de voyager vers l’intérieur.

Ce qui rend l’installation intéressante, c’est qu’elle offre tant de points d’entrée, de contact, de perception de l’espace et de soi-même à l’intérieur.

Pour les grandes œuvres, je code l’information de façon simple. C’est très difficile de rester porteur de sens tout en étant bref et austère. Ça aussi, c’est une énigme que je me pose et que je résous en même temps.

Quels thèmes aimez-vous soulever dans votre art ?

Dans mon travail, je parle souvent de ce qui est toujours invisiblement présent chez une personne : le mouvement de la pensée, la patience, la tension. Des choses qu’on ne peut pas toucher. De là vient l’idée d’enregistrer l’invisible. D’abord, je fabrique des objets. Ils tiennent seuls, mais on pourrait aussi les appeler une recherche. Des projets plus grands sont ensuite imaginés et construits à partir de ces pièces.

« Paysage mental » (installation en céramique, 132 x 264 cm) est un plateau, le point de départ de mon parcours professionnel. C’est un thème qu’on peut développer en profondeur et en largeur, dans l’instant et sur de longues distances.

Des millions de pensées disparaissent sans laisser de trace. Ma main scelle des particules de la plasticité de la pensée au moment où elle se produit. Le paysage mental devient un microcosme, une façon de sortir du monde intérieur. Cet état devient le cœur d’une matriochka de significations.

Sa couche intermédiaire est l’éclatement en une multitude de pensées possibles, puis la recherche qui les rassemble en un projet.

La couche extérieure est une compréhension du paysage général de l’époque dans laquelle nous vivons.

Quand cette installation est exposée, l’apesanteur compte — elle crée un sentiment de fragilité. On dirait qu’un seul contact suffirait à tout faire glisser et se briser. Et en même temps se réassembler en quelque chose de nouveau.

Quelle place la psychologie occupe-t-elle dans votre art ?

Un intérêt pour la psychologie et pour le paysage intérieur d’une personne, le fait que je sois mère de plusieurs enfants, et la proximité que j’ai avec le monde des enfants — tout cela a conduit à des objets et des sujets anthropomorphes.

Parmi les œuvres photographiques, une série importante est « Le Petit Loup gris viendra » (2021). Tout le monde connaît le thème que j’ouvre dans ce projet. Il y a un petit être qui vit en chacun de nous. L’« enfant intérieur » est une image psychologique composite, une copie exacte de la personne dans son enfance. Le projet réfléchit à la façon dont l’éducation façonne la psyché d’un enfant. Délibérée ou inconsciente, passagère ou répétée, discrètement traumatisante et profondément toxique — la violation des limites d’un enfant se fait sentir plus tard chez chaque adulte.

Le thème s’est logiquement poursuivi dans la céramique. L’installation « Ces événements ne vous arrivent pas en ce moment » est un projet immersif dans lequel l’impulsion de l’artiste amène le spectateur à se souvenir de son propre déclencheur, de l’écharde qu’il a ramassée quelque part en chemin.

Voyez-vous le fait d’aborder des thèmes psychologiques à travers l’art comme un outil, un soutien, ou une déclaration artistique ?

Je pense que c’est les trois à la fois.

Mon thème personnel est délibérément codé dans une mémoire collective partagée. Le spectateur vit sa propre expérience à travers mon message, ma déclaration artistique.

Sigmund Freud disait que cette communication se produit à un niveau inconscient : l’art sert de lien entre l’inconscient de l’artiste et celui du spectateur ; la connexion et la révélation qui viennent avec le contact avec l’art peuvent nourrir le sentiment, la pensée et la vision, et soulager à la fois l’artiste et le spectateur de leurs angoisses.

C’est pourquoi l’art nous attire, et c’est pourquoi nous continuons à retourner voir des expositions.

Quelle est votre mission, en tant qu’artiste et en tant que personne ?

Il existe une étude selon laquelle les artistes représentent 1,5 % de tous les habitants de la Terre.

Avec leur « station météo » cachée, ils captent avec sensibilité ce qui se passe autour d’eux, l’interprètent, indiquent une direction, montrent l’envers du décor, provoquent la communication.

La conversation peut prendre toutes sortes de directions. Superficielle, rituelle, ou profondément franche.

Quand je laisse partir une œuvre, je laisse les gens regarder le monde à travers mes yeux. Le spectateur fait ses propres découvertes en lisant mes pensées devenues matière. Ce dialogue nous fait grandir tous les deux.

La personne et l’artiste ne font qu’un en moi. Ce n’est que sur cette base que je peux réussir à ne pas me trahir moi-même, dans la vie comme dans l’art.

Y a-t-il une phrase ou une pensée qui vous fait avancer ?

« Il y a un temps pour tout », de l’Ecclésiaste.

« Il y a un temps pour tout, un temps pour toute chose sous les cieux. »

J’y lis aussi un message pour l’artiste. Suivez votre propre chemin. Travaillez. Chaque chose en son temps.

Quel effet le programme « Je veux entrer dans le monde de l’art ! » a-t-il eu sur votre travail ?

Je peux le dire simplement et avec assurance : ça a été utile.

Dès le premier contenu gratuit que j’ai regardé, j’ai su que c’était là qu’il fallait que je sois. Si les gens partagent ça si généreusement pour rien, il doit y avoir encore plus à l’intérieur.

J’ai aimé la clarté de la structure du programme. Le module sur la façon dont le monde de l’art est organisé a été une vraie révélation, parce que l’information est détaillée et accompagnée d’une approche pratique. Il y a beaucoup d’exercices qui vous font passer à un niveau supérieur. Il faut absolument les faire. Le mentor donne, et c’est à nous de prendre toute la couche de connaissances proposée.

Le mythe de l’artiste est une passion particulière pour moi. Les bonnes questions m’ont aidée à regarder en moi-même et à trouver ce qui me distingue des autres, et à voir sur quoi reposent mes déclarations en tant qu’artiste. Travailler cette section a rendu mes documents d’artiste beaucoup plus solides.

J’ai mis de l’ordre dans mes connaissances de l’histoire de l’art contemporain. Ma bibliothèque intérieure chaotique a commencé à se ranger sur des étagères. La méthode proposée pour étudier l’art à travers la couleur, la forme, le sens et l’espace est une astuce utile, et aussi une petite clé pour comprendre ses propres méthodes.

J’ai aussi noté les habitudes importantes de la vie d’un artiste. Chacune d’elles est très simple. C’est le pouvoir des petits pas, la seule façon de manger un éléphant.

La tarification, qui fait quoi dans le monde de l’art, la résilience psychologique, se présenter, travailler avec le texte, penser en grand — je pourrais continuer à énumérer les points forts de ce programme.

Ce qui compte, c’est que je n’ai pas choisi le mauvais cursus, même si je ne suis pas arrivée en débutante mais avec une certaine expérience derrière moi.