L’art à la rencontre de l’abstraction et de la figuration

Interview d’Arseny Blinov

Bonjour à tous ! Bienvenue dans le deuxième numéro de notre série #ourstudents, une série d’interviews où nos participants parlent d’eux-mêmes et de leur art.

L’artiste de ce numéro est Arseny Blinov. Né à Leningrad en 1972. Diplômé de l’Académie d’État Stieglitz d’art et de design de Saint-Pétersbourg. Ses œuvres se trouvent dans des collections privées en Russie et à l’étranger.

Qu’est-ce qui vous inspire pour créer ?

Je ressens en moi un besoin créatif ; c’est comme une démangeaison ou une faim. J’ai connu la joie de créer. Une montée puissante et euphorique, une vague qui envoie des frissons le long de la colonne jusqu’à l’arrière du crâne. Soudain, une énergie phénoménale traverse tout votre corps, venue de nulle part. Comme si Dieu guidait votre main, et vous êtes stupéfait par le résultat.

Picasso disait qu’il fallait travailler pour mériter l’inspiration. C’est cette expérience qui m’aide à me traîner jusqu’à l’atelier, parfois par les cheveux.

Quant aux artistes qui m’inspirent, ils ont changé au fil des périodes. La première œuvre dont je me souviens était « Vénus et Cupidon » de Lucas Cranach l’Ancien. Que dire ? Adolescent, j’ai été bouleversé par la beauté de sa Vénus. Ensuite, j’ai parcouru ma propre histoire de l’art, avec beaucoup d’imitation personnelle et d’expérimentation. Claude Monet, Van Gogh, Gauguin, Matisse, Picasso, Malevitch. Puis Nolde, Rothko, Franz Kline, Richter. Ma formation m’a donné un éventail plus large, mais par tempérament, je me suis toujours senti proche de l’expressionnisme sous toutes ses formes. En ce moment, je m’intéresse particulièrement à Adrian Ghenie, Alex Kanevsky, Nicola Samorì…

Quels sujets abordez-vous dans votre art ?

D’abord, la rencontre de l’abstraction et de la figuration. Chaque tableau repose sur des lois abstraites. Mais il doit aussi y avoir un retour dans l’autre sens, et c’est ce qui m’intéresse. Ensuite, je m’intéresse toujours à la Renaissance et à la façon dont elle pourrait résonner aujourd’hui.

Quelle considérez-vous être votre plus grande réussite à ce jour ?

J’aime apprendre et expérimenter. Comme réussites — eh bien… voyons voir : des prix au Moscow International Advertising Festival et à d’autres forums de design, une participation aux Cannes Lions, une vingtaine de maquettes de magazines, notamment pour Time Out et Kommersant. Plus de dix expositions personnelles. Cosmoscow. Des œuvres dans des collections publiques.

L’année dernière, dix de mes œuvres ont été achetées. Cela m’a donné le courage de passer en freelance et de consacrer tout mon temps à l’art et à la réflexion qui l’entoure. Je suppose que c’est ma plus grande réussite à ce jour.

Quelle est votre mission en tant qu’artiste ?

Oh, le mot « mission » sonne tellement grandiose ! Ma première exposition remonte au début des années quatre-vingt-dix, de la peinture à l’huile. À l’époque, j’ai abandonné la peinture pour les ordinateurs, convaincu que la peinture de chevalet avait déjà tout dit. Plus tard, j’ai fait le chemin inverse. De la 3D et de la vidéo vers le design graphique. Puis vers la photographie, l’acrylique, les bombes de peinture, les pochoirs, l’aérographe, les éclaboussures. Aujourd’hui, l’huile m’intéresse à nouveau. Bientôt, j’en serai revenu jusqu’au crayon.

Au vingtième siècle, tout le monde est mort — Dieu, l’auteur, l’histoire, la peinture, le rock and roll. Au vingt-et-unième, ils sont tous soudain ressuscités. Si c’est le cas, tout cela doit être repensé, la peinture en premier lieu. Les personnes qui ont inventé le terme « métamodernisme » appellent à un retour à l’enthousiasme du modernisme, en passant par la désillusion du postmodernisme. J’essaie, quant à moi, de revenir à ce qui précédait le modernisme, en m’appuyant sur les deux pratiques.

Ma mission n’est pas un objectif précis, mais un chemin le long duquel je continue à repousser les limites. Je veux trouver ma limite pour pouvoir regarder au-delà. Nos vies s’enrichissent lorsque nous comprenons que les limites peuvent être franchies. Cela ouvre notre monde.

Pouvez-vous donner trois conseils aux artistes qui veulent faire de l’art contemporain ?

Tout art réalisé aujourd’hui est contemporain, quoi qu’on en dise. Le postmodernisme s’épuise, et nous regardons le moment présent de bien trop près pour en voir l’ensemble du tableau. Les conseils que je propose relèvent donc en réalité de ma propre conception de ce qu’est un bon art, qui sera à son tour considéré comme contemporain.

• Travaillez, n’attendez pas l’inspiration. Il faut travailler pour mériter l’inspiration.
• N’ayez pas peur des erreurs — une erreur est un résultat positif, c’est votre expérience.
• Ne vous fiez pas aux opinions des autres, même celles que vous respectez. Construisez votre propre expérience. Les erreurs des autres ne vous laisseront pas commettre les vôtres.