Le Mythe des ruines de la ville. Entretien avec Irina Ionina

Partagez vos impressions sur le vernissage.

Le vernissage s’est très bien passé. Nous l’avons ouvert à tout le monde — je voulais que quiconque en ait envie puisse venir. C’était agréable de revoir des collègues rencontrés sur des projets précédents. J’étais contente que les invités s’intéressent au concept, et j’ai pris plaisir à répondre à leurs questions.

L’exposition est conçue comme une installation totale — il n’y a pas beaucoup d’objets en tant que tels, même si l’espace de la galerie lui-même est petit, ce qui joue en ma faveur : plus l’espace est grand, plus il est difficile de construire l’architecture d’une exposition. C’est mon premier projet solo en galerie, et j’y ai travaillé seule, sans commissaire d’exposition. Le concept de l’exposition repose sur l’idée d’un rituel ou d’un rite : une lumière tamisée, des touches chaudes imitant la flamme ; une table couverte d’un tissu bordeaux avec une robe posée dessus, son ourlet pointant vers la sortie ; une liste d’architectures perdues avec leurs dates de construction, délibérément délimitée par un cordon rouge.

Dans le cadre de l’exposition, nous avons prévu des balades autour de mes œuvres de street art et une rencontre avec l’artiste. Je ferai une médiation guidée à travers l’exposition, et les gens pourront me poser toutes les questions qu’ils veulent.

Sur quel autre projet travaillez-vous en ce moment ?

En ce moment, je travaille sur un projet pluridisciplinaire appelé « Style néo-néo-russe ». Le projet construit un mythe sur l’émergence d’un nouveau style culturel. Il a commencé par une recherche sur des bâtiments en bois en décomposition — des datchas et des propriétés de campagne construites au tournant des XIXe et XXe siècles dans le style néo-russe — et par l’utilisation ironique des filets de façade comme matériau censé aider à leur restauration.

La plaisanterie, c’est que ces bâtiments sont vraiment soumis à une procédure appelée «conservation des ruines» — des maisons pourrissantes, à moitié effondrées, sont entourées d’échafaudages et enveloppées de filets. Et les maisons continuent de s’effriter et de pourrir à l’intérieur.

J’ai construit la mythologie du projet à travers un article pseudo-scientifique présenté comme un livre d’artiste. Selon le mythe, le filet de façade se transforme en un matériau qui imprègne toutes les sphères de la vie, sa fonction d’origine effacée.

Dans les deux ou trois mois qui ont suivi le début du projet, j’ai remarqué la tendance suivante : les personnes qui connaissaient le projet ont commencé à remarquer, selon leurs propres mots, à quel point il y a de filets de façade dans les rues de la ville ; le fait de poster régulièrement des photos sur les réseaux sociaux a aussi amené des abonnés à signaler que leur perception des filets avait changé.

J’ai fait un mythe de la réalité, et maintenant le projet se transforme en une sorte d’expérience de retour du mythe à la réalité. Je continue à me demander : comment une idée devient-elle courante ? Puis-je porter le mythe du projet à un large public ? Et comment ? Puisque le mythe que j’ai créé repose déjà sur le fait que les filets de façade recouvrent vraiment toute la ville, ma tâche est d’attirer l’attention des gens dessus. J’essaie de le faire à travers le street art et des pratiques participatives.

Une de ces pratiques participatives est le projet « Interventions déléguées ».

Pouvez-vous nous dire de quoi parle ce projet ?

Les participants sont invités à prendre un kit d’intervention et à «intervenir sur quelque chose». Le kit se compose d’un panneau à monter sur un filet de façade, avec l’inscription «Style néo-néo-russe. Approuvé», d’une carte postale avec la photo d’une des interventions précédentes, et d’un certificat de véritable adepte du style néo-néo-russe.

Toute personne qui prend un panneau a le droit de l’accrocher à l’endroit de son choix qui répond aux canons du style néo-néo-russe, dotant ainsi cet endroit des caractéristiques du style. Les canons sont empruntés, avec de légers ajustements, au manifeste métamoderniste de Luke Turner — ce qui laisse un vaste champ d’interprétation, si bien que les participants choisissent leur site d’intervention entièrement à leur propre discrétion.

Chaque personne reçoit un «certificat d’authenticité», qu’elle est invitée à remplir elle-même après sa première «intervention» et à devenir une véritable adepte du style néo-néo-russe. Une fois le panneau posé, le participant m’envoie une photo de l’intervention et l’adresse — cette photo est ensuite imprimée sur une carte postale et envoyée au participant suivant.

Avez-vous un exemple d’œuvre de street art qui a provoqué des réactions intéressantes ?

En hiver, j’ai réalisé une œuvre de street art sur l’un des bâtiments abandonnés de Saint-Pétersbourg enveloppé de filets — j’ai posé un panneau avec l’inscription «Bienvenue !» au-dessus d’une porte condamnée. Le temps a passé, l’œuvre s’est installée, et puis un jour de printemps, en passant devant la maison, j’ai vu que quelqu’un avait pris l’accueil au pied de la lettre : la porte avait été défoncée.

Donc maintenant j’ai l’œuvre documentée en deux versions — avec la porte fermée et avec elle ouverte. J’aime beaucoup regarder les gens choisir laquelle des deux cartes postales ils veulent.

Comment êtes-vous venue à l’art contemporain ?

L’art contemporain m’a toujours intéressée sous toutes ses formes, y compris le cinéma, la musique et le théâtre. Je travaillais auparavant dans le design de produit, et à un moment j’ai réalisé qu’il y avait quelque chose que je voulais dire à travers l’art — et j’ai commencé à le dire.

Qu’est-ce qui compte pour vous dans l’art contemporain ?

Une idée bien pensée, exprimée de la façon qui la révèle le plus pleinement. J’aime les expérimentations et l’élément de surprise. J’essaie toujours de nouvelles choses moi-même, et j’accorde beaucoup de valeur à cela dans les projets des autres.

Quels moments considérez-vous comme les plus importants de votre carrière ?

Honnêtement, tout ce qui s’est passé compte. Chaque exposition, chaque foire, chaque œuvre qui a été réalisée ou, pour une raison ou une autre, ne l’a pas été. Ce sont tous ces points où l’on devient qui l’on est.

Parfois on ne voit le résultat qu’après longtemps, et ce résultat peut ne pas être pratique du tout. Le plus important, c’est que j’ai appris à penser en termes de projets. En plus d’être utile pour développer un propos, c’est aussi amusant, parce que tout autour de vous commence à ressembler à une partie d’un projet.

Comment le programme « Je veux entrer dans le monde de l’art » vous a-t-il influencée ?

Quand j’ai réalisé que je voulais m’exprimer à travers l’art, j’ai commencé à chercher des informations sur le fonctionnement réel de ce domaine. J’ai compris que j’avais besoin d’un dossier de documents.

J’ai trouvé le programme « Je veux entrer dans le monde de l’art », j’ai lu le programme d’études, j’ai aimé et j’ai décidé de m’inscrire.

Assez vite, j’ai compris ce qu’il fallait faire formellement, et comment. J’ai monté un premier dossier d’essai même avant la revue finale (je l’ai encore — je l’ai regardé récemment et j’ai pouffé de rire). Le dossier que j’ai préparé pour la revue elle-même était, bien sûr, bien meilleur — il m’a fait entrer dans deux projets de groupe presque immédiatement. Et c’est là qu’a commencé ma carrière d’artiste !