De la peinture académique aux biomatériaux : le parcours de Kristina Purshina dans l’art contemporain

– Comment êtes-vous venue à l’art contemporain ?

Progressivement !

Enfant, j’ai terminé l’école d’art, puis un cursus qui m’a qualifiée artiste décoratrice et étalagiste — mais ensuite ma vie a pris une direction professionnelle différente. Il y a environ dix ans, j’ai recommencé à dessiner : d’abord comme croqueuse, puis comme illustratrice, puis comme aquarelliste autodidacte. Tout ce temps, je voulais quelque chose de plus — essayer de nouvelles approches, créer différemment — mais je n’arrivais pas à mettre le doigt sur ce que je cherchais.

Alors j’ai décidé de prendre la voie classique : je me suis inscrite à l’Académie Stroganov pour étudier la peinture monumentale, et j’ai obtenu mon diplôme avec mention. Pendant mes études, j’ai réalisé que le simple fait de copier, ou de peindre de jolis paysages et portraits, ne m’intéressait pas — et l’art appliqué ne m’attirait pas non plus. C’est à cette même période que j’ai commencé à aller sérieusement aux expositions, dont celles d’art contemporain, et j’ai compris que je voulais créer des œuvres chargées de sens : que l’art n’est pas seulement une forme visuelle, mais un moyen de s’exprimer, une sorte de « langage » que j’utilise pour parler au monde.

– Qu’est-ce qui a été le plus difficile au début, et quelles difficultés avez-vous rencontrées ?

Au début, le plus dur était de ne pas savoir où ni comment évoluer dans l’art contemporain — pas d’information, pas de stratégie. Plus tard, divers stéréotypes et peurs ont commencé à me gêner : la peur de me tromper, la peur de la critique.

– Lesquelles de vos idées sur le monde de l’art contemporain se sont révélées justes, et qu’est-ce qui était complètement différent ?

Mes premières idées sur l’art contemporain étaient floues. Beaucoup de choses me semblaient impénétrables, et il était difficile de passer d’une réaction purement visuelle à une analyse et une réflexion plus approfondies.

J’avais l’impression que l’art contemporain était quelque chose d’étrange, sans place pour la peinture. Avec le temps, cependant — grâce aux études, aux visites d’expositions et aux visites guidées avec des médiateurs — j’ai développé un vocabulaire visuel, un esprit critique, et la capacité d’analyser une œuvre non seulement sur le plan esthétique mais aussi en termes de sens et de contexte.

– Parlez-nous de vos études au MSCA. Était-ce une expérience intéressante, et qu’est-ce qui a eu le plus de valeur ? Était-il difficile d’y entrer ?

J’ai étudié au MSCA, la Moscow School of Contemporary Art. Avant d’y aller, j’ai passé beaucoup de temps à me renseigner sur les écoles d’art contemporain et leurs programmes, et j’en ai discuté avec Maria. J’ai choisi l’école qui correspondait à ce que je voulais et à la direction que je prenais. Étudier là-bas a été aussi utile que possible — j’ai commencé mon parcours dans l’art contemporain alors que j’étais encore étudiante. Des expositions avaient lieu en permanence dans le cadre du programme, et nous avons eu l’occasion de présenter nos projets dans des lieux institutionnels sérieux et de recevoir des retours.

Nous avons aussi acquis de l’expérience en commissariat d’exposition et en travail au sein de collectifs d’artistes. Nous avons constitué des portfolios, des CV et des sites web solides. Nous en sommes ressortis avec une vision claire du fonctionnement du monde de l’art et de la façon d’y évoluer. Et même après l’obtention du diplôme, nous gardons un lien avec l’école — elle soutient les initiatives de ses anciens participants et fait tout son possible pour les aider à se développer et à s’implanter sur le marché de l’art.

L’admission comportait plusieurs étapes : constituer un portfolio et une lettre de motivation — Maria m’a aidée aussi pour cela, en mentorat individuel — puis un entretien avec la directrice de l’école.

– Parlez-nous de votre travail (nous inclurons des photographies). Nous aimerions beaucoup nous y plonger !

Laissez-moi vous montrer cette pièce — c’est mon projet de fin d’études. Après avoir terminé l’école, elle a aussi été exposée à « GRADUATION 24 » à Zaryadye, parmi les meilleurs travaux de fin d’études de 2024.

L’exposition comportait deux cartels — un pour la peinture et un pour les objets.

1) Peinture. Kristina Purshina. Huile sur toile, 150 × 200 cm, 2024

« Emporte un pinceau avec toi dans le sommeil, et dans tes rêves, les fleurs se désaltéreront. » Howard Lovecraft, « L’Horreur du musée »

Dans une forêt enchantée, à la frontière entre le réel et l’imaginaire, quelque chose de mystérieux se produit. C’est un espace liminal où les lignes nettes se dissolvent — entre la « ville » et la nature intacte, entre le monde humain et le non-humain, le physique et le spirituel, le synthétique et le biologique, le sommeil et l’éveil. Tout y est possible.

Une fois, en rêve, je suis partie peindre en plein air dans une forêt de ce genre et j’ai rencontré une pieuvre prophétique, qui a prédit la fin prochaine de la civilisation humaine. « Mais la fin d’une chose peut être le commencement d’une autre, et tu pourras continuer à vivre — pour cela, il te faut trouver une nouvelle forme », m’a-t-elle dit, et je me suis mise en quête de résoudre l’énigme. Au bout d’un moment, j’ai trouvé la réponse et, en m’appuyant sur l’expérience de mes ancêtres, j’ai fabriqué des poupées. Elles sont devenues des réceptacles pour les métamorphoses qui allaient me porter vers une nouvelle forme d’être.

La preuve de cette expérience mystique est la pratique artistique elle-même, qui a donné naissance à une toile consignant les visions nées dans l’espace liminal de la forêt.

2) Objets. Kristina Purshina. Série « CTRL+S ». Plastique, matériaux d’origine animale, tissu cultivé à partir d’une culture de kombucha, pigment, latex, fil de soie, bioplastique. Dimensions variables. 2024

« Tu sais… c’est loin. Je ne pourrai pas emporter ce corps avec moi. Il est trop lourd. Mais c’est comme une vieille écorce qu’on abandonne. Il n’y a rien de triste à cela… » Antoine de Saint-Exupéry, « Le Petit Prince »

Certains des objets de ce projet sont faits de ce que j’appelle du cuir de champignon. C’est une feuille cultivée à partir d’une culture de kombucha — le SCOBY que tout le monde connaît grâce au thé fermenté. Dans ce projet, travailler avec la culture était un essai, une expérimentation, mais j’ai décidé de pousser la recherche plus loin et d’en faire un projet à part, sur lequel je travaille actuellement.

Le processus, le rythme et le résultat final dépendent entièrement de la culture, cependant — de sa croissance, du temps que cela prend, de la solidité et de l’utilisabilité du tissu obtenu. En ce moment, j’en suis à l’étape de fermentation, de culture et de séchage.

– Qu’est-ce qui compte pour vous dans l’art — le vôtre et l’art en général — pour qu’il vous saisisse et résonne ?

– Y a-t-il des artistes dont vous admirez le travail et qui vous inspirent ? Si oui, pourquoi ?

J’admire et je puise mon inspiration chez des artistes de nombreuses époques différentes. En art contemporain, ce serait Yuri Albert, Irina Korina, Mayana Nassybulova, le duo d’artistes CrocodilPower, Louise Bourgeois, Anselm Kiefer, Wolfgang Tillmans, Pierre Huyghe et d’autres.

– Parlez-nous des projets qui ont vu le jour pour vous pendant cette période. Notre formation vous a-t-elle été utile, et si oui, pourquoi ?

Avant de rejoindre la formation, j’étais dans un état particulier… Je ne voulais plus travailler comme avant, mais je ne voyais pas encore comment travailler autrement. Intuitivement, je me sentais attirée par l’art contemporain, mais je ne savais pas ce que c’était. J’avais une certaine quantité d’informations éparses, qui me bloquaient plus qu’elles ne m’aidaient.

Et puis la formation est arrivée. Grâce à elle, j’en suis ressortie avec une compréhension claire de ce qu’est l’art contemporain et de ce qui le distingue de ce que je faisais avant. J’ai commencé à saisir la structure du marché de l’art et de ses institutions, et leur fonctionnement. Une stratégie pour mon développement a commencé à prendre forme.

Au cours de la formation, j’ai reçu des retours importants sur mon portfolio, ce qui l’a renforcé — autant que possible à ce stade. J’ai développé un concept de projet au sein même de l’art contemporain, et j’ai enfin compris que c’était la direction dans laquelle je voulais avancer et continuer à me former.

En plus de la formation, j’ai aussi suivi des séances de mentorat avec Maria. Nous y avons établi mon plan d’action, déterminé à quelle école je devais postuler compte tenu de mes envies et de mes besoins, et préparé les documents pour ma candidature et mon entretien.