Qu’est-ce qu’un objet d’art contemporain ? Ce qui le distingue de la sculpture et de l’installation

En art contemporain, l’objet d’art est une œuvre autonome, réalisée sous la forme d’un objet physique. Il existe dans l’espace et se perçoit comme un tout, et non comme une image sur une surface plane. Il peut être de n’importe quelle taille et fait de n’importe quel matériau.

À partir de cette définition, on a tout de suite envie de tracer une frontière nette : voici l’objet d’art, voici la sculpture, et voilà l’installation. Mais avec l’art contemporain, un tel système fonctionne mal. Installation, sculpture ou objet d’art, il ne s’agit pas de ranger les œuvres dans des tiroirs selon le principe « soit A, soit B, soit rien ».

Pour un artiste, il est plus intéressant de bousculer ces frontières. De regarder comment nous voyons une œuvre, comment nous la comprenons et comment nous la pensons. Le débat sur la catégorie à laquelle rattacher une pièce est, au fond, secondaire par rapport à ce que l’auteur veut dire.

Objet d’art, sculpture ou installation

Il reste malgré tout utile de garder en tête la différence pratique entre ces termes. La sculpture travaille la forme et le volume. L’installation se compose de plusieurs éléments et s’empare de l’espace autour du spectateur, tandis que l’objet d’art existe comme une chose à part.

Mais ce ne sont pas trois territoires fermés. Une même pièce peut se lire à la fois comme une sculpture et comme un objet d’art. La frontière dépend de la façon dont l’œuvre est construite et du problème que l’artiste cherche à résoudre.

Voyez-vous, nous essayons souvent d’évaluer l’art à travers le système de repères qui nous est familier. Devant une peinture, l’attention se porte facilement sur le langage visuel. Si l’artiste travaille avec la lumière, le son ou l’espace, les seuls critères de ressemblance visuelle ne suffisent plus. Il faut considérer l’œuvre à travers le système dans lequel elle a été créée.

C’est pourquoi la question « comment bien nommer mon travail ? » ne doit pas devenir la question principale. Un terme n’est pas là pour enfermer l’œuvre dans une catégorie. Il aide le spectateur, le commissaire d’exposition ou la galerie à comprendre à quoi ils ont affaire.

C’est précisément de là que je partirais. Si nous avons devant nous une chose physique distincte, qui existe dans l’espace comme une œuvre à part entière, le terme « objet d’art » peut être tout à fait juste. Si la pièce repose sur l’interaction de plusieurs éléments avec l’espace, nous sommes déjà plus près de l’installation.

Où l’artiste rencontre l’objet d’art dans la pratique

Les objets d’art n’existent pas forcément dans le seul cadre de l’accrochage principal d’une exposition. Dans une galerie, à l’accueil, à côté des catalogues, on peut trouver de petites sculptures en édition, des objets d’art ou des produits dérivés de l’artiste. Dans cette situation, l’artiste doit comprendre par lui-même où passe la frontière entre sa stratégie institutionnelle et la part de sa pratique consacrée aux éditions.

J’aime ici une formulation très simple. Installer une boutique à l’intérieur d’une galerie, ce serait étrange. Accorder aux produits dérivés un petit espace sur le comptoir d’accueil n’a rien d’étrange.

Le fait même qu’une édition existe ne dévalorise pas la pratique principale. Toute la question est de savoir comment les choses sont séparées et présentées. Les produits dérivés de l’artiste peuvent exister à part, par exemple sur une page dédiée ou dans un autre espace, tandis que de petits objets en édition peuvent trouver leur place à côté de l’exposition.

Il existe aussi un domaine voisin, le design de collection. Un artiste peut créer des objets d’art et, en parallèle, travailler sur des pièces de design de collection. Il arrive que ces pièces se situent au même niveau de présentation et s’adressent au même public. Il est alors tout à fait pertinent de faire figurer cette expérience connexe dans ses documents professionnels.

Ici encore, le découpage en disciplines se révèle assez conventionnel. Une pratique artistique peut naître de l’architecture, du design ou d’un autre champ, puis se poursuivre dans l’espace de la galerie.

Quand une expérience connexe devient partie intégrante de la pratique artistique

Alexandre Brodsky offre un bon exemple de ce passage. Son parcours professionnel est lié au mouvement de l’« architecture de papier ». Il a conçu le projet de réhabilitation de Winzavod, centre d’art à Moscou, et a représenté son pays à la Biennale d’architecture de Venise.

Aujourd’hui, ses œuvres de format galerie et ses objets d’art sont montrés par des galeries et des musées qui n’ont aucun lien avec l’architecture. La forme a changé, mais les idées et les motifs se prolongent. Dans une telle situation, l’expérience d’architecte n’est pas un ancien métier à part, qu’il faudrait faire disparaître des documents de l’artiste.

Pour un artiste, c’est un cas assez révélateur. Une expérience connexe mérite d’être mentionnée lorsqu’elle est liée à la pratique artistique actuelle et qu’elle aide à la lire. Si un artiste travaille avec l’architecture ou le design de collection et que cette ligne se prolonge dans ses objets d’art, ce voisinage est tout à fait logique.

Il en va de même pour l’appellation « objet d’art » elle-même. Inutile de l’employer pour donner plus de poids à un objet ordinaire. Il est bien plus utile de se demander si le terme aide à comprendre de quelle œuvre il s’agit et comment elle existe dans l’espace.